If we’re happy in our dreams, does that count?

Steelolive präsentiert eine Klanginstallation als Einladung in einen Traum, als nachdenklichen Dialog, als Performance. Hier wird der Geist aktiv, eine heilende träumerische Fiktion zu schaffen. Diese Installation lädt das Publikum dazu ein, die Schuhe auszuziehen, durch ein Becken mit Wasser zu laufen und Platz zu nehmen. Man wird dazu eingeladen, sich zu entspannen, eine Schlafmaske zu tragen, den aufgenommenen Klängen zu lauschen, die eine Traumlandschaft im Kopf entstehen lassen, um sich mit der Erinnerung einer Stadt zu verbinden. Die Installation mit dem Titel „Story Clouds“ ist inspiriert durch die Vision eines fiktionalen Accra, das mit großer Empfindlichkeit auf seine Wasserlandschaften reagiert. Mit der Installation möchte Steloolive jenen Traum mit den erwachenden Klanglandschaften, aufkeimenden Landschaften und architektonischen Formen der Stadt vereinen.

Durch Performances im öffentlichen Raum der Stadt dehnt Steloolive diese Vision auch auf Stuttgart aus und bietet den beiden Städten so ein Portal, durch das sie miteinander in Verbindung treten können.

„See the World as Your Own Image“ ist eine kollaborative Installation aus künstlerischen Arbeiten von Fatric Bewong und Nii Noi Nortey. Dieses räumliche Experiment, von den Künstler:innen als “die [fiktive] heilige Welt der Kinder“ bezeichnet, lädt das Publikum in eine Welt aus Kammern mit mehreren Ausgängen ein.

In dieser Welt sind die Wände weich und bedeckt mit Zeichnungen, die Kinder aus Accra und Stuttgart im Alter von zwei bis sieben Jahren angefertigt haben. Hier sind diese Kritzeleien frei von allen Bewertungen der Bedeutungslosigkeit und werden wie ihre prähistorischen Gegenstücke zu einem heiligen Status erhoben. Eine Klanginstallation erfüllt den gebauten Raum. Sie besteht aus Tiergeräuschen – aufgenommen oder imitiert – und experimenteller Musik, ergänzt durch Blas- und Saiteninstrumente (Afrifons), Ngoni und Bassharfen, die der Klangkünstler Nortey mit Plastikwasserflaschen und -beuteln, Schläuchen und Strohhalmen improvisiert.

„Rumours Untitled“ ist eine zweigeteilte Installation aus verschiedenen künstlerischen Arbeiten von Eric Gyamfi. Der erste Teil präsentiert sich in Form eines 3,60m langen Tischs in Pantone Classic Blue. In diesen Tisch sind 40 fotografische Glasplatten installiert, die mit einer Kombination aus Pigmenten von Teakbäumen in Accra und verschiedenen Pflanzen aus Stuttgart entwickelt wurden. Die Glasplatten sprießen aus der Tischplatte wie aufgereihte Bäume.

In den Tisch ist außerdem eine Videodokumentation integriert, die die chemischen Reaktionen zeigt, die die Platten produziert haben. Durch die Form des Tisches, der an die Räumlichkeiten der ifa-Galerie angepasst ist, kann das Publikum die fotografischen Platten und den Film aus verschiedenen Blickwinkeln wahrnehmen.

Der zweite Teil besteht aus einem Druck eines abfotografierten Teils einer der Platten, der auf einer Wand hinter dem Tisch angebracht ist. Aufgrund der matten Oberfläche des Glases erscheint das abfotografierte und vergrößerte Bild verpixelt – ganz ähnlich wie digital produzierte Bilder, obwohl es durch analog-chemische Prozesse erzeugt wurde.

Gemeinsam bilden die beiden Teile eine hybride Landkarte – für die menschliche Wahrnehmung entstehen ferne imaginäre Länder, erzeugt durch die chemische Verbindung von Mikroorganismen.

McTernans Arbeit verwandelt Auszüge aus einem gedruckten Dokument eines recherchierten, lesbaren Sachtextes basierend auf Interviews, Beobachtungen und persönlichen Erfahrungen in etwas, das unlesbar wird und keine semantische Bedeutung mehr enthält. Das gegensätzliche Verhältnis von Fakt und Fiktion wird dadurch verkompliziert.Das Werk besteht aus Baumwoll- und Papierbögen, auf die mit Fäden ein unleserlicher Text genäht wird. „Die Leser:innen/Betrachter:innen werden aufgefordert, sich durch die Seiten zu bewegen und die Arbeiten getrennt voneinander und/oder in Verbindung zueinander sowie zu den anderen Werken der Ausstellung zu erfahren.

Als eine Sammlung von an Schnüren hängenden Seiten voller Text spielt McTernans Arbeit auf die Auflösung des Buches an, die ein individuelles und gemeinschaftliches Lesen ermöglicht. Mit Elementen von Bewegung durch die Einbeziehung von Ventilatoren und Lichtspielen durch bunte Strahler regt das Werk neben dem visuellen auch zu einem körperlichen Lesen an, womit die Lektüre des „Buches“ zu einem Tanz wird. Der Klang wird ebenfalls durch Bewegung ausgelöst und erweitert das Werk zu einer synästhetischen Erfahrung.

„GLITCH: It’s 2022, You Are [back] in a Womb“ ist Teil von Nyahans umfassenderer Werkserie mit dem Titel „Existential Bodies“ und stellt eine spekulative Installation dar, die das Leben in der Gebärmutter neu imaginiert. Das Projekt ist eine Multimedia-Präsentation ihrer Beschäftigung mit Objekten und Lebewesen, die Gedanken über die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft unserer Körper auslösen. Was bedeutet es, dass wir existieren? Was bedeutet es, in Relation zu diesen Objekten zu existieren? Nyahan nutzt die Gebärmutter als Ausgangpunkt für einen Aufbruch ins Ungewisse und ermuntert die Betrachter:innen, spielerisch über ihre eigene Realität und ihr eigenes Selbst nachzudenken und zu verhandeln. 

Es ist ein beunruhigender Gedanke, einst eine Gebärmutter bewohnt zu haben, an den Aufenthalt dort jedoch keine Erinnerung mehr zu besitzen. Dabei handelt es sich um eine universelle Erfahrung, dennoch kann niemand von uns seine oder ihre Sicht darauf teilen – ein Paradox. In diesem Werk stellt Nyahan auf humorvolle Weise dar, wie das Leben in der Gebärmutter aussehen könnte. Wie fühlt sich die Umgebung an? Welche Geräusche mögen zu hören sein? Diese semifiktionale Umgebung erzeugt die Künstlerin, indem sie mit auditiver, visueller und taktiler Wahrnehmung experimentiert. „GLITCH: It’s 2022, You Are [back] in a Womb“ setzt sich aus unterschiedlichen Komponenten zusammen: Klangaufnahmen aus Gebärmüttern und Sprachaufnahmen, die von den Stofffiguren der Installation ertönen, Animationen von Schwangerschaftsuntersuchungen mit Ultraschall, denen verzerrte Bilder gegenüberstehen, sowie skulpturale Objekte aus gefundenen Materialien und Textilien, die zum Anfassen einladen.
In dieser Arbeit denkt Nyahan über mehrere Fragen nach: Beginnt Trauma in der Gebärmutter? Weshalb fühlt sich der Gedanke, hier zu sein, manchmal so abgekoppelt an? „Wenn ich mir Objekte der Geburt anschaue, überkommt mich ein schweres Gefühl, das meine Existenz infrage stellt. Womöglich ist es das Gefühl des Todes. Ich bin mir nicht sicher, aber ich lade alle ein, sich auf jenes Gefühl einzulassen, es zu erkunden, daran verrückt zu werden und zugleich Spaß damit zu haben.“